Interview with Justine Bonnin

winner of the 2018 L.a. Pai National Jewellery Student Competition

By: Marie-Eve G. Castonguay
Published: 2018/12/18


Originally from France, Justine Bonnin now lives and works in Montréal, where she pursued her studies at the École de joaillerie de Montréal. Right after her graduation in 2018, she was already winning the L.A. Pai National Student Competition. Marrying corroded objects with defined, smooth-surfaced forms, her highly intriguing work carries the complexity of her own story, which she lets us discover in this short interview.

What made you choose jewellery as a way of expressing your ideas?

Before starting the program at the École de joaillerie de Montréal, I was travelling. Everywhere I went, I collected small treasures, with which I made “gri-gris”, objects and jewellery that I would offer to the people I encountered. It was a small token of appreciation, a symbolic offering for someone who had marked my path and with whom I would share common memories. On a bicycle trip in western Africa, during which I met many artisans, my perspective on jewellery as an art form changed. They all had their own techniques and tools. Each piece of jewellery had its meaning in relationship to where it had come from, like some kind of a code evoking the wearer’s status, or their belonging to a certain group. This relationship with jewellery was completely unfamiliar to me, and I was extremely intrigued. That is when I became conscious of jewellery’s potential for expressing meaning. I wanted to push my creativity further, and decided to join the École de joaillerie de Montréal. There, I once again discovered another facet of jewellery: contemporary jewellery, where the piece carries a message that relates to both the wearer and the viewer. The idea of using an object in order to carry a message was what I was unconsciously waiting for.

Outside of your jewellery practice, are there other aspects of your life – hobbies, interests – that inform your work?

Every sphere of my life informs my work, and vice versa. I constantly keep myself stimulated by undertaking new projects that allow me to discover new perspectives in my work, to reinvent myself and to see my work evolve. Lately, I have developed an interest in photography, which I aim to integrate into my creative process. Other than that, I exchange with others on my explorations and research, and it always opens new routes and makes ideas grow.

Then, there is auteur cinema. Social dramas, in particular, are a great source of inspiration for me at the moment. Films I watch or exhibitions I see help me grasp human emotional density and push me to create. Also, the research I undertake in relation to the topics I touch upon in my work take my thought process further and help me better understand the issues I am trying to convey. Finally, being in motion helps me reset and revitalize myself, which is why I regularly go rock climbing. It is great for mental health and takes you outside of your comfort zone!

Étreintes à Manéa 2 bracelet (2018)
Rust, sterling silver, natural leather

Étreintes à Manéa 1 necklace (2018)
Rust, sterling silver, spessartine, cotton ropes, natural leather, waxed cotton yarn

What is the source of inspiration for the body of work you presented at the L.A. Pai student competition?

My mother and her journey: this project is about the way society commonly perceives people dealing with mental health issues. This perception, which is based on prejudice, dehumanizes and stigmatizes people through a reductive and inflexible diagnostic. It is still taboo to this day, and it is not accepted, but rather seen as a source of disturbance. The way we are perceived by others is greatly important for each and every one of us, and impacts the construction or our personal identity.  Therefore, there needs to be a greater sensibility toward psychic pathologies such as bipolarity, schizophrenia, and other behavioural disorders. We shall better understand the connection between the individual and the pathology they are living with, in order to see the human being behind their mental illness.

Your pieces are often composed of various materials, precious or not precious, that are assembled together. What guides your choice of materials?

I like to play with the idea of preciousness, with what gives value to a material versus what I decide it is worth. For me, value only resides in the dialogue between materials. My goal is to exploit their expressive potential in making them interact.

Étreintes à Manéa 3 brooch (2018)
Rust, sterling silver and cotton cord

Are your compositions created intuitively or do you follow a precise plan when making your work?

A mix of both, I would say. I am both guided by a quest for meaning that leads me to intellectualize my decisions and to base them on research and on my many preliminary drawings, but, at the same time, I never really know what the final object will look like. During the creation process, intuition plays its role and I leave space for improvisation.

Your work seems to be very personal in its meaning. How do you wish people to view your work, from an exterior point of view?

Indeed, I use my own life to talk about my own reflections, especially when it comes to my mother’s identity. It seems like a very precise concept, but it is the concept of identity in itself that I am questioning. Mine, my mother’s, and yours. I give a direction to my work, but I want viewers to know that I am not proposing any answer or conclusion to the questions I am raising. I am along with the viewer, immersed in the same questioning. Overall, I do not wish to impose my own perception upon the viewer. I invite them to explore their own emotions and their own understanding of a given concept. I do not give anything, I simply initiate an exchange. The viewer is not passive in front of my work, whether they are wearing or looking at the piece, they play their role! Perception emerges from the effect between the wearer, the object and the viewer, and is always unique!

D’origine française, Justine Bonnin vit et travaille maintenant à Montréal, où elle a entrepris et complété des études en joaillerie à l’École de joaillerie de Montréal. Dès sa sortie de l’école, en 2018, la jeune joaillière a remporté la compétition nationale étudiante L.A. Pai. Orchestrant de façon brutale mais contrôlée des objets corrodés avec des formes aux surfaces lisses et définies, son travail pour le moins intriguant est le fruit de son riche bagage, dont elle nous laisse sillonner les méandres dans cette courte entrevue.

Qu'est-ce qui t'a amenée à choisir le bijou comme moyen d'expression?

Avant de commencer l’École de joaillerie de Montréal, je voyageais. Partout où j’allais, je collectais ce que j’appelais des trésors avec lesquels je bidouillais des «gris-gris», des objets, des bijoux que j’offrais aux grés des rencontres. C’était une sorte de clin d’œil, d’offrande symbolique à la personne qui m’avait touchée pour matérialiser les souvenirs communs. Un voyage à vélo en Afrique de l’ouest, où j’ai rencontré pas mal d’artisans sur ma route, a changé mon rapport à cette forme d’art. Ils avaient tous leurs techniques, leurs outils, chaque bijou avait sa portée en fonction d’où il venait, une sorte de code pour évoquer le statut de la personne, son appartenance. C’était un rapport au bijou complètement différent du mien, ca m’a fasciné. C’est là que j’ai prit conscience de sa capacité d’expression. Ça m’a donné envie de pousser plus loin ma créativité et d’aller chercher un savoir-faire à l’École de joaillerie de Montréal. Là-bas, j’y ai découvert une autre trajectoire encore: la joaillerie contemporaine où le bijou est un propos en relation avec le porteur et l’observateur. L’idée de prendre l’objet pour en faire une voix, c’était tout ce qu’inconsciemment j’attendais.

En dehors de ta pratique de joaillière, y a-t-il d'autres aspects de ta vie – des  passes temps, des intérêts - qui nourrissent ton travail?

Toutes les sphères de ma vie nourrissent mon travail et vice-versa. Je me garde constamment stimulée en me lançant dans de nouveaux projets ce qui me permet de faire de nouveaux liens avec ce que je crée, me réinventer et voir mes pièces évoluer. Dernièrement, je me suis penchée sur la photo, je trouve intéressant de l’intégrer à mon processus créatif. Sinon, j’échange beaucoup avec mon entourage sur mes explorations, mes recherches, ça m’ouvre des voies et fait germer des idées.

Et puis, il y a le cinéma d’auteur.  Les drames sociaux, surtout, représentent une belle banque de données pour moi en ce moment. Certaines des œuvres que je visionne ou encore certaines expositions que je visite m’aident à investir davantage la densité émotionnelle qui réside dans l’humain et me poussent à créer. Ensuite, les recherches sur les sujets que j’aborde amènent mes questionnements plus loin et m’aident à cerner leurs enjeux.
Finalement, être en mouvement m’aide à faire le vide et me revitaliser, c’est pourquoi je pratique l’escalade sur une base régulière. C’est bon pour le mental et pour sortir de sa zone de confort!

Quelle est la source d'inspiration pour le corpus d'œuvres que tu as présenté à la compétition étudiante de la Galerie L.A. Pai?

Ma mère et son parcours.

Ce projet fait référence à notre vision communément véhiculée en société des personnes atteintes de troubles de la santé mentale lourds. Cette vision, basée sur des préjugés, déshumanise et stigmatise au profit d’un diagnostic réducteur et omnipotent. C’est un sujet encore tabou à notre époque, qui dérange beaucoup. L’importance du regard d’autrui dans la construction de notre identité personnelle est pourtant grande pour chacun de nous. Je trouve donc essentiel de nous responsabiliser, de nous sensibiliser à des pathologies psychiques tels que le bipolarisme, la schizophrénie, et autres troubles comportementaux et de mieux comprendre la connexion qu’entretient l’individu avec la pathologie qu’il vit afin de faire primer l’humain derrière.

Tes pièces sont souvent composées d'assemblages de divers matériaux, précieux ou non précieux. Qu'est-ce qui guide ton choix de matériaux?

J’aime jouer avec l’idée de préciosité, avec ce qui donne de la valeur à un matériau et ce que je décide de lui faire valoir. Pour moi, cette valeur réside simplement dans le dialogue d’une matière avec une autre. Le but est de les amener à leur plus grand potentiel d’expression en les faisant interagir.

Les compositions de tes bijoux sont-elles créées de façon intuitive ou préfères-tu suivre un plan assez précis?

Un mélange des deux, je dirais. Je suis à la fois guidée par une quête de sens qui m’oblige à intellectualiser mes choix, à les baser sur des recherches et de nombreux croquis, mais, en même temps, je ne sais jamais à quoi exactement va ressembler le produit final. Durant le processus de création, l’intuition embarque et je laisse toujours place à l’improvisation.

Ton travail semble traiter de sujets assez personnels. Comment désires-tu que les gens perçoivent tes pièces, d'un point de vue extérieur?

Effectivement, je me sers de mon vécu pour aborder des thèmes qui m’habitent et dont je souhaite pousser la réflexion, notamment en ce qui a trait à la question d’identité de ma mère. Ça peut avoir l’air précis comme question, mais c’est la notion même d’identité, finalement, que je remets en doute. La mienne, celle de ma mère, la vôtre. Je lance une direction à mon travail, mais c’est important pour moi qu’on sache que je ne donne aucune conclusion, aucun produit fini par rapport au sujet que je traite. Je m’élance avec l’observateur, à pieds joints, dans des questionnements. En gros, je n’impose rien au spectateur en termes de perception, j’invite à l’exploration de leurs propres émotions, de leurs propres conceptions sur un sujet donné. Je ne donne rien, j’échange. Le spectateur n’est pas inactif vis-à-vis de mes pièces, qu’il soit porteur ou observateur, il joue son rôle! La perception se crée de l’effet produit entre l’individu qui le porte, l’objet que je présente et l’observateur, et ce sera chaque fois unique!